Im Senegal stehen Künstler im Rampenlicht

Kulturerbe, Handwerk und Innovation stehen im Mittelpunkt der blühenden Kreativszene Senegals. Ein neuer Kulturraum von Chanel soll den Reichtum an Talenten des Landes präsentieren.

Marie-Madeleine Diouf erinnert sich, wie alles begann: ihre Liebesaffäre mit Indigo. Aufgewachsen in Parcelles Assainies, einem Arbeiterviertel in Dakar, der Hauptstadt Senegals, widmete sie sich in ihren außerschulischen Programmen dem traditionellen Tanz. Das bedeutete, den Kleiderschrank ihrer Mutter nach Vintage-Überwürfen zu durchsuchen – und damit nach indigofarbenen Stoffen, die in der Serer-Kultur ihrer Familie sehr geschätzt werden. „Ich war 7, 8 Jahre alt“, sagt Diouf, „und seitdem sehe ich das Leben in Blau.“

Diouf arbeitete 15 Jahre lang als medizinischer Administrator. Nebenbei nähte sie mit einer billigen Nähmaschine Kleidung, die sie an freien Tagen nach Banjul, der Hauptstadt des benachbarten Gambia, mitnahm, um sie dort von Tür zu Tür zu verkaufen. Dann, im Jahr 2015, schaffte sie den Sprung. Als Inhaberin von NuNu Design by DK ist sie nun einer der strahlenden Stars in der Kunst- und Modeszene von Dakar, wo Handwerk und Innovation, kulturelles Erbe und zeitgenössisches Design eine aufregende Wirkung erzielen.

In ganz Westafrika sorgen Textil- und Ornamenttraditionen und -techniken dafür, dass die Mode im täglichen Leben dynamisch bleibt – fragen Sie einfach einen Straßenfotografen. Aber einige Städte können sich eines besonders aktiven Zusammenspiels von Abstammung und innovativer Schöpfung rühmen. Dakar ist ein Ort des ständigen Austauschs, mit Direktflügen für Besucher und die unternehmerische senegalesische Diaspora, die es mit Paris und New York verbinden. Es ist auch ein Wissenszentrum mit renommierten Universitäten und der angesehensten Kunstbiennale Afrikas.

All dies findet auf einer Halbinsel statt, die in den Atlantischen Ozean hineinragt und wunderschöne Ausblicke (und nicht ganz so schöne Verkehrsengpässe) bietet, während im Landesinneren mit der Expansion der Stadt neue Viertel entstehen. Die Halbinsel bildet einen Hafen, um den sich Dakar zunächst während der französischen Kolonialzeit und dann nach der Unabhängigkeit im Jahr 1960 entwickelte. Hier finden Sie Banken, Ministerien und Boutiquen wie Dioufs Ausstellungsraum sowie das Museum der schwarzen Zivilisationen und das Fähre zur historischen Insel Gorée.

An einem milden Nachmittag im März befindet sich Diouf auf dem Gelände des Théodore-Monod-Museums für afrikanische Kunst neben dem Parlament. Sie hat gerade eine Indigo-Färbewerkstatt für ein halbes Dutzend Dakaroise-Frauen geleitet und daraus Stoffquadrate in einzigartige Stücke verwandelt. In der Nähe stehen Möbel der Designerin Bibi Seck sowie ein Hain aus Affenbrotbaumskulpturen und Sitzpoufs aus recyceltem Denim von Selly Raby Kane mit Details wie aufgehängten Fischen und Sternen.

Insgesamt stellen hier und in einer luftigen Galerie im Obergeschoss etwa zwei Dutzend Künstler aus. Sie versammelten sich auf Geheiß der La Galerie du 19M – dem Ausstellungszweig von Le 19M, dem neuen Komplex, den Chanel in Paris als Heimstätte für die elf Kunsthandwerkshäuser eröffnet hat, die Chanel besitzt. Die französische Luxusmarke hat den Senegal im Visier. Die Métiers d'Art-Ausstellung fand im Dezember im ehemaligen Justizpalast statt, wo auch die Biennale von Dakar stattfindet, und folgte anschließend mit dieser lokalen Präsentation, dem ersten internationalen Projekt von Le 19M. Die Ausstellung reist nun nach Paris, wo sie vom 17. Mai bis 30. Juli in der La Galerie du 19M zu sehen sein wird.

Als wir uns treffen, trägt Diouf ihre zeitgenössischen Kreationen, aber ihr Teil der Show ist ein Schrein für Indigo und Erinnerung. Hier sind kostbare Stücke für den täglichen Gebrauch, die ihre Großmutter hinterlassen hat. Hier ist Indigo selbst – getrocknete Blätter in einer Kalebasse und Pastenkügelchen – zusammen mit dem Sumpfgras, das dank seines Salzgehalts als natürlicher Pigmentfixierer dient, sowie ein Holzmörser und ein hoher Stößel. Und dann sind da noch die alten Familienfotos. Diouf hat Hunderte dieser Schwarz-Weiß-Studioporträts bei Besuchen in der Küstenstadt Joal-Fadiouth, ihrer angestammten Heimatstadt, gesammelt.

Sie erklärt, dass solche Porträts jahrzehntelang in Westafrika als Lebensmarkierungen und Aktualisierungen dienten und von denen, die in der Hauptstadt Arbeit suchten, an das Dorf zurückgeschickt wurden. „Fotografiert zu werden war eine ganze Kunst“, erklärt Diouf die Aufmerksamkeit, die auf den Bildern auf die Kleidung gelegt wird. „Und dort findet man viel Indigo – dieses wunderschöne, begehrenswerte Blau, das uns fast ähnelt.“ Sie fordert die Bewahrung dieses visuellen Erbes zusammen mit traditioneller Handarbeit und Kenntnissen über pflanzliche Pigmente. „Meine Kreationen drücken die Seele dieser Forschung aus“, sagt sie. „Es ist eine Pflicht der Erinnerung.“

Ausschnitte aus Dioufs Atelier erscheinen an anderer Stelle in der Ausstellung. Der Künstler Manel Ndoye hat ein Werk geschaffen, das schimmert, indem er Tausende von kurzen, vertikalen Streifen aus indigoblauem Stoff verwendet, die durch glänzendes Bazin, einen wertvollen Brokatstil, versetzt und durch sorgfältige Sticharbeit verbunden sind. Aus der Nähe betrachtet ist es pure Farbe und Abstraktion; Aber aus der Ferne erkennen wir ein Gruppenbild, das auf Ndawrabine basiert, einem Tanz der Lebou, der Fischergemeinschaft, die als die ursprünglichen Bewohner Dakars gilt. Ndoye hat Onkel und Cousins, die immer noch auf traditionelle Weise fischen, nämlich auf Pirogen für 12-stündige Aufenthalte auf dem Wasser. Die Bewegungen des Frauentanzes ergeben sich aus der Bewegung des Einziehens von Netzen. „Ohne die Netze einzusammeln, gäbe es keinen Tanz“, sagt er.

Ndoye, ein formal ausgebildeter Maler, beschreibt seine Entwicklung von Acryl auf Leinwand zu Textilien in analytischen Begriffen. „Meine Frage war: Wird ein Porträt von seinen Linien getragen?“ er sagt. Jeder Stoffstreifen wirkt wie ein Pinselstrich, während die Indigo-Behandlung für chromatische Tiefe und Nuancen sorgt. Aber sein Anliegen ist nicht nur formaler Natur: Es umfasst die Verbindung von Lebou zum Meeresleben – und leider jetzt auch zur Geißel der Umweltverschmutzung. Er hofft, dass seine Werke, wie die Lieder, die das Ndawrabine begleiten, die Menschen für die Sorge um den Ozean sensibilisieren.

Textilien sind auch ein starker neuer Anziehungspunkt für Arébénor Bassène, der zunächst für abstrakte Gemälde bekannt wurde, die auf Papier montiert waren und kryptische Zeichen trugen. Sie brachten ihm einen Preis bei der Dakar Biennale 2016 ein. In letzter Zeit hat sich Bassène der Batik zugewandt: Er hat das Wachs- und Färbeverfahren erlernt und wendet es direkt auf seine Leinwände an, bevor er sie spannt und die Komposition mit Acrylfarbe, Graphit und Gummi arabicum vervollständigt. „Ich verwende Materialien, die ich in der Studioumgebung habe, und drücke sie so aus, wie ich mich fühle“, sagt er. „Der Prozess kann recht locker sein.“

Bassène, der afrikanische Literatur und Zivilisationen studiert hat, ist von alten Kulturen fasziniert, ganz im Sinne von Cheikh Anta Diop, dem großen Gelehrten vorkolonialer Gesellschaften, nach dem die Universität Dakar benannt ist. Bassènes Farben tendieren zu Braun-, Ocker- und Gelbtönen, wie die der Tassili-Massive in der Sahara; Die Inspiration für seine Zeilen reicht von Höhlenmalereien bis zum energiegeladenen Tanz der Diola im Süden Senegals. Batik verleiht seinem Prozess und seinen Werken eine neue physische Dimension. „Auch wenn die Technik handwerklich ist, solange es ein Konzept gibt, handelt es sich um zeitgenössische Kunst“, sagt er.

Arébénor Bassène mit seinem Werk La Danse du Guerrier, 2022, in La Galerie du 19M.

Die Ausstellung umfasst Materialien und Praktiken – von der bildenden Kunst, die in den Galerien von Dakar zu sehen ist, bis hin zur Mode aus den Boutiquen. Es ist auch generationsübergreifend, mit Werken von Älteren wie dem Künstler und Textilwissenschaftler Alioune Badiane und dem verstorbenen Souleymane Keita, der 2014 starb und halbskulpturale Werke aus Leder schuf, in die Objekte eingebettet waren. Es gibt auch Stücke aus dem gastgebenden Museum: Sein Kurator, El Hadji Malick Ndiaye, war Mitglied des örtlichen Komitees, das mit Le 19M zusammenarbeitete, um die Ausstellung zu kuratieren und ihre Teilnehmer auszuwählen.

Die Schau mobilisiert wichtiges Wissen, das im ländlichen Raum vorhanden ist. In der Region Sine Saloum arbeitet die Weberin und Designerin Fatim Soumaré, die nach einer Karriere im Finanzwesen in Frankreich in den Senegal zurückgekehrt ist, mit einem Kollektiv von 200 Frauen zusammen, die nach einer jahrhundertealten Technik örtliche Regenbaumwolle von Hand spinnen. In Ngaye Méckhé, nordöstlich von Dakar, pflegen Frauen eine vier Jahrhunderte alte Stickereitradition; Sie arbeiteten an einem neuen Werk mit dem französischen Künstler Julian Farade zusammen. Diese Verbindung wurde durch die Designerin Khadija Ba Diallo ermöglicht, für die diese Kunsthandwerker einige der auffälligen zeitgenössischen Stücke nähen, die sie in ihrem beliebten Geschäft Le Sandaga verkauft. Während der Ausstellung betrieb sie zwei Monate lang einen Pop-up-Shop.

Der charismatische Ba Diallo ist bekannt für mutige, verspielte Stücke: Boubous im Tarnmuster, Kaftane mit Burger- und Sportlogo-Aufnähern sowie T-Shirts und Accessoires voller Anspielungen auf das senegalesische Alltagsleben, wie zum Beispiel Pinton, ein allgegenwärtiger Sardinenaufstrich. „Wir verwenden es wie Nutella“, sagt sie. Sie greift auch auf die Quelle spiritueller und philosophischer Sprüche zurück, die das Heck der „Car Rapides“, der klobigen Nahverkehrstransporter von Dakar, schmücken.

Als Kind war Ba Diallo in Dakar eine zwanghafte Scrapbookerin, studierte Jura und Luxusmarketing in Frankreich und machte sich dann auf den Weg nach Hause und zum Design. Sie ist fasziniert von den Gegenüberstellungen ihrer ausgefallenen Kreationen, die einheimische und ausländische Kunden anziehen. Ihre Schneider, Sticker und Juweliere haben sich an ihren Stil gewöhnt. „Sie sagten mir: ‚Das ist noch nicht erledigt.‘ Es ist seltsam“, sagt Ba Diallo. „Aber am Ende sagten sie: ‚Wow, das ist schön!‘ ”

Von links: Marion Louisgrand Sylla, Jah Gal Doulsy und Adja Thiaw, alle Mitglieder des Kër Thiossane Art Center.

Ba Diallo benötigt keine Bestätigung von Chanel oder einer anderen Marke. Doch die Szene profitiere von dem Projekt, das auf handwerkliche Qualität und Wissensvermittlung setze und das Potenzial für einen kollektiven kreativen Austausch eröffne. Sie zitiert ein Sprichwort: „Es ist besser, dass sich zwei Menschen eine Kuh teilen, als dass jeder ein Huhn hat.“ Das bedeutet mir alles. Ich teile gerne und möchte, dass Afrika und alle vorankommen.“

Dieses Gemeinschaftsethos ist im Kër Thiossane, einem Kunstzentrum in Sicap-Liberté, einem Viertel, das in den 1960er Jahren entstand, vertraut. Der Name des Zentrums bedeutet „Haus der traditionellen Kultur“, es beherbergt aber auch ein Fab-Lab mit 3D-Druckern und hochentwickelten Maschinen. „Unser Ansatz ist kollaborativ und Open-Source und verbindet High- und Low-Tech“, sagt Marion Louisgrand Sylla, die Kër Thiossane 2002 mit ihrem Ehemann Momar François Sylla gründete. „Und was auch immer wir tun, wir bringen es zurück in die Nachbarschaft.“

Für die Ausstellung arbeitete Kër Thiossane mit Atelier Montex, Chanels Stickerei-Maison, zusammen und fertigte ein vorhangartiges Werk aus 360 lasergeschnittenen Teilen recycelten Denims an, das mit weggeworfenem Plastik unterlegt und von Frauen aus einem örtlichen Gemeindezentrum mit Perlen verziert wurde. Der ständige Austausch in einer WhatsApp-Gruppe stellte sicher, dass der Prozess – Design, Beschaffung, Herstellung – den Anforderungen von Montex und seiner künstlerischen Leiterin Aska Yamashita entsprach.

Der Designer und Kër Thiossane-Partner Jah Gal Doulsy, der das Muster und das Materialkonzept für das Stück entwickelte, gehörte einst zu Les Petites Pierres, einem einflussreichen Kollektiv; Dies gilt auch für die Designerin und Filmemacherin Selly Raby Kane, die 2008 dazukam. „Als ich meine kreative Familie fand, begann ich, meine Stadt mit anderen Augen zu sehen“, sagt Kane. Ihre Arbeit reagiert in vielerlei Hinsicht auf Dakar. Ein Virtual-Reality-Projekt schlängelt sich durch eine Stadt voller Rituale; Ein Kurzfilm befasst sich mit kleinen Läden und Verkaufsständen. „Die Alchemie einer Stadt liegt dort, in diesen Orten der Geselligkeit und Fürsorge“, sagt sie. Ihr Durchbruch gelang 2016, als Beyoncé in einem von Kanes blauen Kimonos gesehen wurde, der mit Pflanzen, Seepferdchen, Papageien und einem auf westafrikanischen Wachsdrucken beliebten Vogelmotiv verziert war. Heutzutage sind ihre Stücke etwas voluminöser, mit starren Teilen, Korsettformen und Schulterpolstern. „Sie ähneln ein wenig einer Rüstung“, sagt sie, „um der Stadt zu trotzen. Und vielleicht auch, um die Zukunft vorwegzunehmen.“

Vor Kanes Ausstellungsraum stehen zwei gepunktete Affenbrotbaumskulpturen aus Pappmaché über Metallarmaturen, Gegenstücke zu ihrem Denim-Hain im Museum. Das Geschäft befindet sich in Keur Gorgui, einer Gegend, die heute zentral wirkt, aber bis vor 12 Jahren noch Wald war. Das sei vielleicht der Grund, warum Bäume in ihren Installationen immer wieder auftauchen, sagt sie. „Und da ist die Symbolik – Wissen, Geheimnis – und wie der Affenbrotbaum gesund genutzt werden kann, von seinen Wurzeln bis zu seinen Blättern.“

Kane war ein weiteres Mitglied des Beraterkomitees, das die Teilnehmer der Ausstellung auswählte. Einige Kreative, die sie kenne, hätten kein Interesse gehabt, gibt sie offen zu; Sie waren instinktiv misstrauisch gegenüber den Absichten einer mächtigen ausländischen Marke. „Ich verstehe“, sagt sie, aber sie sieht die Dinge anders. „Es ist ein herausragender Moment, der Dakar zugute kommt und Menschen zusammenbringt. Es hilft uns zu beurteilen, wo wir als Ökosystem stehen.“ Ihr Blick bleibt auf die Mission gerichtet: „Erforschen und vorschlagen, was es sonst noch geben kann, welche Welten, welche Lebensweisen.“ Auf dem Weg zu einem erweiterten Leben.“

Haare von Maty Ndiaye bei African Beauty Agency; Make-up von Diarra Cissé bei African Beauty Agency.